Solo Exhibition 8th Times

Art fair & Group Exhibition

Miha Jeong

The Language of the Blue Planet: A Sculptural Reflection on the Coexistence of Humans and Nature

The artist works between Canada and Korea, spending time in Sutton, Ontario—a small town surrounded by lakes and forests. Even this peaceful environment was affected by the global crisis of COVID-19, which revealed how closely connected our world has become. This experience led the artist to reflect more deeply on the relationships between humans and nature, and on the fragile balance between civilization and the ecosystem.

These reflections are expressed through recurring blue imagery and the use of the cyanotype process. The deep, luminous blue functions as a symbolic language connecting Earth and the cosmos, while suggesting the circulation of water, energy, and life within the planetary system. Circuit-like forms appearing in the works hint at the possibility of communication and coexistence among nature, humanity, and technology.

Ultimately, her work conveys an ecological message grounded in mutual interdependence—the idea that humans protect nature, and nature protects humanity. It offers a hopeful vision of a sustainable future in which people and the planet move forward together.

푸른 행성의 언어, 인간과 자연의 공존을 향한 조형적 사유

작가는 캐나다와 한국을 오가며 작업을 이어가고 있으며, 그가 머무는 서턴 <Ontario, Sutton>은 호수와 숲이 어우러진 청정한 자연환경을 지닌 작은 마을이다. 그러나 이러한 평온한 공간조차 COVID-19라는 전 지구적 재난을 피해 갈 수는 없었다. 팬데믹은 인간의 일상과 사회적 관계를 근본적으로 변화시키며 우리가 살아가는 세계가 얼마나 긴밀하게 연결되어 있는지를 드러냈고, 이는 작가로 하여금 인간과 자연, 문명과 생태계의 관계를 보다 근본적으로 성찰하게 하는 계기가 되었다. 그의 작업은 이러한 시대적 경험을 바탕으로 기후 위기와 생명 공동체의 문제를 시각적으로 사유하며, 인간의 창조성이 위기를 초래한 원인이자 동시에 해결의 가능성을 지닌 힘이라는 인식 위에서 전개된다.

이러한 사유는 작품에서 반복적으로 등장하는 청색의 이미지와 시아노타입(Cyanotype) 기법을 통해 구체화한다. 깊고 투명한 푸른색은 지구와 우주를 연결하는 상징적 언어로 기능하며, 물과 에너지가 순환하는 지구 생태계의 관계망을 시각적으로 드러낸다. 작품 속 회로와 같은 형상들은 자연과 인간, 기술과 생태가 서로 소통하고 공존할 수 있는 가능성을 암시하며, 결국 그의 작업은 “사람은 자연을 보호하고, 자연은 사람을 보호한다.”는 상호 의존의 원리를 조형적 언어로 재해석한 하나의 생태적 메시지이자, 인간과 지구가 함께 지속 가능한 미래를 향해 나아가야 한다는 희망의 제안으로 이해될 수 있다.

Hankyoreh Invited Writer exhibition, Anyang, Korea

(Seoul, New York, Bookyung, Simyang...ect.)

Solo Exhibitions 13Times

“You+Me=we ”Together, Venice, Italy + Eyn, Seoul Korea

Art Shopping, Paris Carriiusel du Louvre, France

Art fair & Group Exhibition 150Times

Hyunmi Koh

The Quiet Affirmation of Being in the Rhythm of the Everyday
At the core of the artist’s work lies a sustained sensitivity to the subtle rhythms of everyday life. The changing sky, drifting clouds, moving air, and gentle presence of plants are not treated as mere visual subjects, but as traces of time and existence. Through these modest yet persistent phenomena, the artist constructs a visual language that reflects the continuous unfolding of life.
Painting, in this context, becomes less a means of producing images than a way of inhabiting time. The repeated gestures of the hand, the gradual accumulation of marks, and the attentive observation of the surrounding world transform artistic practice into a lived experience. What emerges from this process is not spectacle, but a quiet affirmation of being—an acknowledgment that meaning resides within the ordinary rhythms of daily existence.
Thus, the artist’s work resonates with a broader contemporary sensibility that seeks to rediscover the value of presence, attentiveness, and continuity in an increasingly accelerated world.

일상과 감각의 시간 속에서 그려지는 존재의 기쁨

작가의 작업은 거창한 사건이나 극적인 서사보다, 일상의 미세한 변화와 감각의 흐름을 포착하는 데서 시작된다. 시시각각 변화하는 하늘과 구름, 바람과 식물, 그리고 햇빛과 같은 자연의 요소들은 단순한 풍경의 대상이 아니라, 세계와 관계 맺는 작가의 태도를 드러내는 감각적 매개로 기능한다. 이러한 순간들은 작가의 시선 속에서 삶의 리듬과 시간의 흐름을 드러내는 조형적 언어로 전환되며, 화폭 위에서 하나의 경험이자 기억으로 재구성된다.

그리고, 작가에게 회화는 결과를 만들어내기 위한 기술적 노동이 아니라, 삶의 의미를 발견하고, 지속적으로 변화해 나가는 과정이다. 붓을 드는 행위는 세계와 접촉하는 가장 직접적인 방식이며, 반복되는 작업의 시간 속에서 작가는 화가로서의 삶을 하나의 소명으로 받아들이고 그 지속의 과정에서 행복과 감사의 감정을 발견한다. 결국, 그의 회화는 특별한 사건을 강조하기보다, 평범한 일상의 감각 속에서 삶의 의미를 길어 올리며 세계의 누구와도 관계할 수 있는 존재의 태도를 드러내는 시각적 사유라 할 수 있다.

Solo Exhibition 12Times

Invitation of outstand Korean artist, Milano(present outstanding works)

Grand Art Exhibition of Korea KFAA(Selected)

Be selected 2times in Korea Art Exhibition

Kyung Hyang fine Arts Exhibition (Special Selection)

Grand Art Exhibition of Kyungki-Inchon(Selected)

Korea Woman Art Exhibition(Special Selection)

Korea Pastel Art Association Contest(Selected)

Award

Int‘l Art Fair(KIAF, Galleries Art fairl, U.S.A,China, Hongkong, Gwangju, Seoul, Daegu)

Expositions D’artistes Coreens et Francais(a Honfleur, France)

K-ART “Je suis ici” Artistes coreens(Paris, France)

Exhibition of Yeongdeungpo Fine Art Association(Seoul)

Exhibition of Junggu Fine Art Association(Seoul)

Group Exhibition about 200 times

Sungock Ahn

Euljiro Elegy: A Sculptural Record of Human Vitality

Euljiro is more than a commercial district. As redevelopment and urban regeneration gradually reshape the area, Euljiro emerges as a symbolic site that evokes the history of labor and the collective memory accumulated within our society. The bolts and nuts discovered within its countless workshops transcend their ordinary function as mechanical components, transforming into sculptural objects that symbolize the labor and lives of the people who have sustained the city and its industries. The dense arrangement of metal forms and reflected light, filling spaces from floor to ceiling, can be a condensed landscape of human effort—bearing the traces of sweat shed by merchants and craftsmen over many decades. 

Having long explored the vitality of nature under the theme of “living movement,” the artist extends this inquiry in Euljiro from the life force of nature to the vitality of human existence. The concept of vitality once discovered in the swaying of trees now shifts toward the movements of human hands and feet, and the rhythm of labor itself. Small yet resilient objects such as bolts and nuts become sculptural symbols of the invisible forces that connect and sustain the city. 

Ultimately, Euljiro Elegy stands as a tribute to the time and dedication of people who have quietly fulfilled their roles, inviting viewers to reflect on the dignity and value of human existence discovered within the everyday acts of labor.

을지로의 사물에서 발견한 인간의 생동에 대한 조형적 기록

을지로는 단순한 상업 공간이 아니라 한국 산업화의 기억과 노동의 시간이 축적된 장소이다. 수많은 상점 속에서 발견한 볼트와 너트는 기능적 부품이라는 일상적 의미를 넘어, 도시와 산업을 지탱해 온 인간의 노동과 삶을 상징하는 조형적 오브제로 전환된다. 천장까지 가득 채워진 금속의 형태와 빛은 물질의 집합을 넘어 오랜 시간 상인과 장인들이 흘려온 땀의 흔적이 응축된 풍경으로 읽히며, 재개발과 도시 재생의 흐름 속에서 점차 사라져 가는 을지로의 공간은 우리 사회가 축적해 온 노동의 역사와 공동체의 기억을 환기시키는 상징적 장소로 자리한다.

그동안 자연의 움직임을 ‘생동’이라는 주제로 탐구해 온 작가는 을지로에서의 경험을 통해 작업의 시선을 자연의 생명력에서 인간의 생명력으로 확장 시킨다. 나무의 흔들림에서 발견했던 생동의 개념은 이제 인간의 손과 발, 그리고 땀의 움직임으로 전환되며, 볼트와 너트라는 작고 단단한 사물은 도시를 연결하고 지탱하는 보이지 않는 힘을 상징하는 조형적 기호가 된다. 결국 ‘을지로 연가’는 특정 장소에 대한 기록을 넘어 묵묵히 자신의 역할을 수행해 온 사람들의 시간과 노력을 향한 하나의 헌사이며, 평범한 노동 속에서 발견되는 인간 존재의 가치와 존엄을 다시 바라보게 하는 시각적 성찰이라 할 수 있다.

9th Solo Exhibition: Rest (Arisu Gallery, Seoul)

8th Solo Exhibition: Rest (Invited Exhibition, Seoul Forest Community Center Gallery)

7th Solo Exhibition: Rest (Invited Exhibition, Seoul Forest Community Center Gallery)

6th Solo Exhibition: Rest (Invited Exhibition, Gallery Maeum, Seoul)

5th Solo Exhibition: Rest (Gallery La Mer, Seoul)

Solo Exhibitions 9Times

The 46th Korea Modern Fine Art Grand Exhibition (KEPCO Art Center Gallery)

The 62nd MOKWOOHOE Fine Art Exhibition (KEPCO Art Center Gallery)

"Butterfly Dream": Invited Exhibition of Women Artists, Korean Professional Artists Association (Gallery All)

New Year’s Special Exhibition (Gallery All)

The 43rd Korea Fine Art Exhibition (Ansan Arts Center)

Korean Fine Arts Association Exhibition (Hangaram Art Museum, Seoul Arts Center)

Selected Group &Booth Exhibitio 46Timesns

Jungsook Kim

Layered Time, Living Identity

The artist’s work explores the fundamental question of identity by layering contemporary life upon cultural memories inherited from the past. By combining  Gatjip(traditional Korean hat case) with skulls and diverse cultural symbols, the artist reveals a point where different temporalities and systems of value collide and coexist within a single pictorial space. Traditional motifs—such as the Irworobongdo(Sun, Moon, and Five Peaks) and the Moran-do(Peony Painting)—are brought into dialogue  with modern imagery shaped by technological society. Through this juxtaposition, the artist reveals that tradition and modernity are not separate realities, but interconnected moments within a continuous flow of time.
In this body of work, time is understood not as a linear progression, but as a layered condition in which past and present coexist simultaneously. The artist’s concept of Layered Moments reflects the condensation of diverse experiences within a single image, revitalizing tradition while inviting viewers to reflect on their own memories, desires, and evolving sense of identity in the contemporary world.

중첩된 시간의 표면 위에서 구성되는 정체성

작가의 작업은 과거로부터 이어져 온 정신적 지층 위에 현대의 일상을 중첩시키며, “나는 누구인가”라는 근원적 질문을 조형적으로 탐구하는 과정으로 전개된다. 전통적인 갓집 위에 해골이나 다양한 문화적 도상을 결합하는 방식은 서로 다른 시간과 가치 체계가 하나의 화면 안에서 충돌하고 공존하는 지점을 드러낸다. ‘일월오봉도’나 ‘모란도’와 같은 전통 도상은 인간 내면을 지탱해 온 집단적 기억과 소망의 상징으로 기능하며, 현대의 결혼식이나 기술 문명 속 일상의 장면들과 함께 배치될 때 전통과 현대가 단절된 것이 아니라 하나의 연속된 시간 속에서 공존하고 있음을 시각적으로 환기시킨다.

이러한 작업에서 시간은 선형적으로 흐르는 개념이 아니라, 과거와 현재, 미래가 동시에 존재하는 층위(Layer)로 이해된다. ‘중첩된 찰나(Layered Moments)’는 서로 다른 시간과 경험이 하나의 화면 안에서 응축되는 상태를 의미하며, 이를 통해 작가는 박제된 전통에 새로운 생명력을 부여하고 급격한 기술 문명 속에서도 인간 본연의 소망과 정체성을 다시 사유하도록 유도한다. 결국, 그의 작업은 ‘영원’과 ‘오늘’이 만나는 접점에서 생성되는 시간의 기록이자, 관람객이 각자의 삶 속에 축적된 시간의 층위를 발견하고 스스로의 정체성과 마주하도록 이끄는 조형적 제안이라 할 수 있다.

education

Seoul, Germany, New york, Singapore, Paris, Monaco

Solo Exhibitions 35Times

Singapore Art Fair, Beijing Art Fair.  Miami Art Fair,  KIAF,  MANIF,  Impression of Light (Parisite dessar), etc. *Juror,  National Art Exhibition of Korea

Art fair & Group Exhibition 

The 4th Seoul Modern Art Show; Grand Prize

The 2nd Korean Peace Art Exhibition Invitational Artist Exhibition; Grand Prize,  2021 Korean

Awards

Inhun Song

Traces of Time: A Landscape of Memory

Song Inheon’s Landscape with Memories begins with personal travel experiences yet expands into a broader reflection on time, memory, and the shared emotional sensibilities of human life. Here, memory is not treated as a simple recollection, but as the lingering resonance of sensations accumulated through the passage of time. The houses, sea, and fields that appear in the composition do not represent specific locations; rather, they function as psychological landscapes that evoke universal feelings of peace, nostalgia, and the traces of lived experience.
A defining feature of this work is its bold compositional structure inspired by Jogakbo, the traditional Korean patchwork textile. The segmented color fields translate a traditional visual language into the vocabulary of contemporary painting, while also visualizing how fragments of time and memory overlap within a single pictorial space. Through this interplay between figurative imagery and abstract color, the artist constructs a layered space where reality and memory, the external world and the inner world, coexist in quiet balance.
Ultimately, the work moves beyond the depiction of landscape to create an inner terrain shaped by sensation and reflection. It invites viewers to encounter not only the memory of a place, but the continuity of time and emotion within their own lives.

시간의 흔적 위에 그려진 풍경

송인헌 작가의 〈Landscape with Memories(추억이 있는 풍경)〉은 개인적 여행 경험에서 출발하지만, 궁극적으로는 시간과 기억, 그리고 인간 보편의 정서에 대한 사유를 담아내는 회화적 탐구라 할 수 있다. 여기서 ‘추억’은 단순한 회상이 아니라, 유유히 흘러가는 시간 속에서 축적된 감각의 흔적이자 정서의 잔향으로 이해된다. 화면에 등장하는 집과 바다, 들판의 풍경은 특정 장소의 재현이라기보다, 기억 속에서 재구성된 심리적 풍경이며, 인간이라면 누구나 공유할 수 있는 평화와 향수, 삶의 흔적이라는 보편적 가치를 환기시키는 장치로 기능한다.

특히 이 작업에서 주목할 점은 조각보에서 영감을 받은 대담한 색면 분할 구조이다. 화면을 가로지르는 색면은 전통적 조형 언어를 현대적 회화의 문법으로 전환하는 시도이자, 서로 다른 시간과 기억의 단편들이 하나의 화면 안에서 중첩되고 연결되는 과정을 시각화한 장치로 읽힌다. 이러한 구성은 구상적 풍경과 추상적 색면이 긴장과 균형 속에서 공존하도록 하며, 현실과 기억, 외부 세계와 내면세계가 동시에 펼쳐지는 이중적 공간을 형성한다.

작가는 여행지에서 마주한 냄새와 색, 온도와 같은 비가시적 감각을 회화적 언어로 번역하고자 하며, 평화로운 순간에 스며드는 행복감을 색과 이미지의 관계 속에 응축시킨다. 음악을 들으며 상상의 세계로 몰입하는 창작의 시간은 단순한 제작 과정이 아니라, 자신의 내면과 마주하는 사유의 순간이자 존재의 감각이 가장 밀도 있게 응축되는 시간이다. 결국, 이 작업은 풍경을 묘사하는 데 머무르지 않고, 기억과 감각, 시간의 흐름이 교차하는 내면의 풍경을 구축하려는 시도로 이해할 수 있다.

Fomative Fine Art, Dan-Kook University (D.E.F)

Korea, Russia, New Zealand, Mongolia, France, Spain

Solo Exhibitions 21th and Boots Exhibition 8th

2022~2024 LA Art Show(US LA, CONVENTION CENTER)

2022~2023 Hwarang Art Festival (Seoul, Koeax) 

Art Fair and Impotant Paintings

As2019 Société Nationale des Beaux-Arts Salon SNBA 2019 au Carrousel du        Louvre (Salon SNBA 2019)   

France Cannes Salon des Artistes Independants (Cannes, France)

France Paris Salon des Artistes Independants (France, Grand Palais)

Salon

LE SALON des Artistes Francais (Paris, GRAND PALAIS)

THE 15TH EXHIBITION FOR WINNER OF MISULSEGYE AWARD            (Seoul, Gallery MISULSEGYE)

LE SALON DES ARTISTES FRANCAIS (Paris, GRAND PALAIS)

SOCIE'TE' SALOND'AUTOMNE (Paris, GRAND PALAIS) 

Prize

Hyangnam Lee

Shoes: A Journey of Being into the Unknown

For the artist, the shoe is more than a simple object for survival and adaptation. It symbolizes the path of life and the direction of existence. In his work, shoes represent an inner desire to move toward new worlds and to seek freedom beyond physical movement. 

The artist has long been driven by a desire to experience diverse cultures and natural environments firsthand. Walking through unfamiliar regions is a reflective journey that deepens understanding of the relationship between humans and nature and between civilization and the uncivilized. Such journeys stimulate critical awareness of contradictions and tensions within reality, while also creating moments of introspection and spiritual healing.

Within the artworks, shoes appear in a variety of transformed forms, each carrying traces of memory, emotion, and hope for the future. Through this imagery, the artist invites viewers to think about their own journeys in life and the meaning of moving forward.

미지의 세계를 향한 정신적 여정에 관한 조형적 탐구

작가에게 있어 ‘신발’은 단순한 사물의 재현이 아니라 삶의 궤적과 존재의 방향성을 상징하는 핵심적인 조형 언어이다. 그의 작업에서 신발은 물리적 이동의 도구를 넘어 새로운 세계를 향해 나아가고자 하는 내적 욕망과 정신적 자유를 드러내는 상징적 표상으로 기능한다. 특히 이동과 생존, 환경에 대한 적응의 역사적 의미를 지닌 신발의 기원은 작가 개인의 삶과 예술적 여정 속에서 하나의 원형적 상징으로 재구성되며, 세계를 향한 지속적인 탐구의 출발점이 된다.

작가는 다양한 문화와 자연을 직접 체험하고자 하는 욕망을 삶의 중요한 동력으로 삼아왔다. 낯선 지역과 문명화되지 않은 오지를 찾아 걷는 행위는 단순한 여행을 넘어 인간과 자연, 그리고 문명과 비문명 사이의 관계를 성찰하는 존재론적 경험으로 확장된다. 이러한 과정은 현실 속 모순과 부조리에 대한 사유를 촉발하며, 동시에 자기 성찰과 정신적 치유의 시간을 형성한다.

작품 속에서 신발은 해체되고 변형되며 다양한 방식으로 재현된다. 이는 형식적 실험을 넘어 삶 속 경험과 감정, 기억의 층위를 시각적으로 드러내는 과정이며, 자연의 이미지들과 결합하여 새로운 세계와 미래를 향한 의지를 상징한다. 결국, 신발은 단순한 대상이 아니라 끊임없이 움직이고 변화하는 존재의 상태를 드러내는 조형적 기호로서, 작가의 작업은 삶과 예술이 만나는 지점에서 생성되는 ‘존재의 여정’을 시각적으로 사유하는 하나의 철학적 탐구로 이해될 수 있다.

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Gallery EYN is located in a Kangnam and committed to introduce contemporary art. We first established gallery Art&Space312 in 2014 to introduce Korean and foreign artists through exhibitions and art fair. In 2022, we restarted as Gallery EYN to respond to contemporary art and the rapidly changing art market. We aim to discover young artists and to create their discourse for their work activities through various domestic and foreign exhibitions and art fairs. In addition, we want to serve as a hub in the art ecosystem. Gallery EYN strives to communicate with the public through art to make an environment where anyone can enjoy art in their lives. And EYN wants to introduces world-class contemporary artists to Korea, and at the same time promotes Korean art (artists) to advance into overseas stages. So we are working to build a foundation and want to publicize the continued growth and potential of Korean art in the domestic and foreign art markets.

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