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Solo Exhibition 8th Times

Art fair & Group Exhibition

Miha Jeong

The Language of the Blue Planet: A Sculptural Reflection on the Coexistence of Humans and Nature

The artist works between Canada and Korea, spending time in Sutton, Ontario—a small town surrounded by lakes and forests. Even this peaceful environment was affected by the global crisis of COVID-19, which revealed how closely connected our world has become. This experience led the artist to reflect more deeply on the relationships between humans and nature, and on the fragile balance between civilization and the ecosystem.

These reflections are expressed through recurring blue imagery and the use of the cyanotype process. The deep, luminous blue functions as a symbolic language connecting Earth and the cosmos, while suggesting the circulation of water, energy, and life within the planetary system. Circuit-like forms appearing in the works hint at the possibility of communication and coexistence among nature, humanity, and technology.

Ultimately, her work conveys an ecological message grounded in mutual interdependence—the idea that humans protect nature, and nature protects humanity. It offers a hopeful vision of a sustainable future in which people and the planet move forward together.

푸른 행성의 언어, 인간과 자연의 공존을 향한 조형적 사유

작가는 캐나다와 한국을 오가며 작업을 이어가고 있으며, 그가 머무는 서턴 <Ontario, Sutton>은 호수와 숲이 어우러진 청정한 자연환경을 지닌 작은 마을이다. 그러나 이러한 평온한 공간조차 COVID-19라는 전 지구적 재난을 피해 갈 수는 없었다. 팬데믹은 인간의 일상과 사회적 관계를 근본적으로 변화시키며 우리가 살아가는 세계가 얼마나 긴밀하게 연결되어 있는지를 드러냈고, 이는 작가로 하여금 인간과 자연, 문명과 생태계의 관계를 보다 근본적으로 성찰하게 하는 계기가 되었다. 그의 작업은 이러한 시대적 경험을 바탕으로 기후 위기와 생명 공동체의 문제를 시각적으로 사유하며, 인간의 창조성이 위기를 초래한 원인이자 동시에 해결의 가능성을 지닌 힘이라는 인식 위에서 전개된다.

이러한 사유는 작품에서 반복적으로 등장하는 청색의 이미지와 시아노타입(Cyanotype) 기법을 통해 구체화한다. 깊고 투명한 푸른색은 지구와 우주를 연결하는 상징적 언어로 기능하며, 물과 에너지가 순환하는 지구 생태계의 관계망을 시각적으로 드러낸다. 작품 속 회로와 같은 형상들은 자연과 인간, 기술과 생태가 서로 소통하고 공존할 수 있는 가능성을 암시하며, 결국 그의 작업은 “사람은 자연을 보호하고, 자연은 사람을 보호한다.”는 상호 의존의 원리를 조형적 언어로 재해석한 하나의 생태적 메시지이자, 인간과 지구가 함께 지속 가능한 미래를 향해 나아가야 한다는 희망의 제안으로 이해될 수 있다.

Hankyoreh Invited Writer exhibition, Anyang, Korea

(Seoul, New York, Bookyung, Simyang...ect.)

Solo Exhibitions 13Times

“You+Me=we ”Together, Venice, Italy + Eyn, Seoul Korea

Art Shopping, Paris Carriiusel du Louvre, France

Art fair & Group Exhibition 150Times

Hyunmi Koh

The Quiet Affirmation of Being in the Rhythm of the Everyday
At the core of the artist’s work lies a sustained sensitivity to the subtle rhythms of everyday life. The changing sky, drifting clouds, moving air, and gentle presence of plants are not treated as mere visual subjects, but as traces of time and existence. Through these modest yet persistent phenomena, the artist constructs a visual language that reflects the continuous unfolding of life.
Painting, in this context, becomes less a means of producing images than a way of inhabiting time. The repeated gestures of the hand, the gradual accumulation of marks, and the attentive observation of the surrounding world transform artistic practice into a lived experience. What emerges from this process is not spectacle, but a quiet affirmation of being—an acknowledgment that meaning resides within the ordinary rhythms of daily existence.
Thus, the artist’s work resonates with a broader contemporary sensibility that seeks to rediscover the value of presence, attentiveness, and continuity in an increasingly accelerated world.

일상과 감각의 시간 속에서 그려지는 존재의 기쁨

작가의 작업은 거창한 사건이나 극적인 서사보다, 일상의 미세한 변화와 감각의 흐름을 포착하는 데서 시작된다. 시시각각 변화하는 하늘과 구름, 바람과 식물, 그리고 햇빛과 같은 자연의 요소들은 단순한 풍경의 대상이 아니라, 세계와 관계 맺는 작가의 태도를 드러내는 감각적 매개로 기능한다. 이러한 순간들은 작가의 시선 속에서 삶의 리듬과 시간의 흐름을 드러내는 조형적 언어로 전환되며, 화폭 위에서 하나의 경험이자 기억으로 재구성된다.

그리고, 작가에게 회화는 결과를 만들어내기 위한 기술적 노동이 아니라, 삶의 의미를 발견하고, 지속적으로 변화해 나가는 과정이다. 붓을 드는 행위는 세계와 접촉하는 가장 직접적인 방식이며, 반복되는 작업의 시간 속에서 작가는 화가로서의 삶을 하나의 소명으로 받아들이고 그 지속의 과정에서 행복과 감사의 감정을 발견한다. 결국, 그의 회화는 특별한 사건을 강조하기보다, 평범한 일상의 감각 속에서 삶의 의미를 길어 올리며 세계의 누구와도 관계할 수 있는 존재의 태도를 드러내는 시각적 사유라 할 수 있다.

Solo Exhibition 12Times

Invitation of outstand Korean artist, Milano(present outstanding works)

Grand Art Exhibition of Korea KFAA(Selected)

Be selected 2times in Korea Art Exhibition

Kyung Hyang fine Arts Exhibition (Special Selection)

Grand Art Exhibition of Kyungki-Inchon(Selected)

Korea Woman Art Exhibition(Special Selection)

Korea Pastel Art Association Contest(Selected)

Award

Int‘l Art Fair(KIAF, Galleries Art fairl, U.S.A,China, Hongkong, Gwangju, Seoul, Daegu)

Expositions D’artistes Coreens et Francais(a Honfleur, France)

K-ART “Je suis ici” Artistes coreens(Paris, France)

Exhibition of Yeongdeungpo Fine Art Association(Seoul)

Exhibition of Junggu Fine Art Association(Seoul)

Group Exhibition about 200 times

Sungock Ahn

Euljiro Elegy: A Sculptural Record of Human Vitality

Euljiro is more than a commercial district. As redevelopment and urban regeneration gradually reshape the area, Euljiro emerges as a symbolic site that evokes the history of labor and the collective memory accumulated within our society. The bolts and nuts discovered within its countless workshops transcend their ordinary function as mechanical components, transforming into sculptural objects that symbolize the labor and lives of the people who have sustained the city and its industries. The dense arrangement of metal forms and reflected light, filling spaces from floor to ceiling, can be a condensed landscape of human effort—bearing the traces of sweat shed by merchants and craftsmen over many decades. 

Having long explored the vitality of nature under the theme of “living movement,” the artist extends this inquiry in Euljiro from the life force of nature to the vitality of human existence. The concept of vitality once discovered in the swaying of trees now shifts toward the movements of human hands and feet, and the rhythm of labor itself. Small yet resilient objects such as bolts and nuts become sculptural symbols of the invisible forces that connect and sustain the city. 

Ultimately, Euljiro Elegy stands as a tribute to the time and dedication of people who have quietly fulfilled their roles, inviting viewers to reflect on the dignity and value of human existence discovered within the everyday acts of labor.

을지로의 사물에서 발견한 인간의 생동에 대한 조형적 기록

을지로는 단순한 상업 공간이 아니라 한국 산업화의 기억과 노동의 시간이 축적된 장소이다. 수많은 상점 속에서 발견한 볼트와 너트는 기능적 부품이라는 일상적 의미를 넘어, 도시와 산업을 지탱해 온 인간의 노동과 삶을 상징하는 조형적 오브제로 전환된다. 천장까지 가득 채워진 금속의 형태와 빛은 물질의 집합을 넘어 오랜 시간 상인과 장인들이 흘려온 땀의 흔적이 응축된 풍경으로 읽히며, 재개발과 도시 재생의 흐름 속에서 점차 사라져 가는 을지로의 공간은 우리 사회가 축적해 온 노동의 역사와 공동체의 기억을 환기시키는 상징적 장소로 자리한다.

그동안 자연의 움직임을 ‘생동’이라는 주제로 탐구해 온 작가는 을지로에서의 경험을 통해 작업의 시선을 자연의 생명력에서 인간의 생명력으로 확장 시킨다. 나무의 흔들림에서 발견했던 생동의 개념은 이제 인간의 손과 발, 그리고 땀의 움직임으로 전환되며, 볼트와 너트라는 작고 단단한 사물은 도시를 연결하고 지탱하는 보이지 않는 힘을 상징하는 조형적 기호가 된다. 결국 ‘을지로 연가’는 특정 장소에 대한 기록을 넘어 묵묵히 자신의 역할을 수행해 온 사람들의 시간과 노력을 향한 하나의 헌사이며, 평범한 노동 속에서 발견되는 인간 존재의 가치와 존엄을 다시 바라보게 하는 시각적 성찰이라 할 수 있다.

9th Solo Exhibition: Rest (Arisu Gallery, Seoul)

8th Solo Exhibition: Rest (Invited Exhibition, Seoul Forest Community Center Gallery)

7th Solo Exhibition: Rest (Invited Exhibition, Seoul Forest Community Center Gallery)

6th Solo Exhibition: Rest (Invited Exhibition, Gallery Maeum, Seoul)

5th Solo Exhibition: Rest (Gallery La Mer, Seoul)

Solo Exhibitions 9Times

The 46th Korea Modern Fine Art Grand Exhibition (KEPCO Art Center Gallery)

The 62nd MOKWOOHOE Fine Art Exhibition (KEPCO Art Center Gallery)

"Butterfly Dream": Invited Exhibition of Women Artists, Korean Professional Artists Association (Gallery All)

New Year’s Special Exhibition (Gallery All)

The 43rd Korea Fine Art Exhibition (Ansan Arts Center)

Korean Fine Arts Association Exhibition (Hangaram Art Museum, Seoul Arts Center)

Selected Group &Booth Exhibitio 46Timesns

Jungsook Kim

Layered Time, Living Identity

The artist’s work explores the fundamental question of identity by layering contemporary life upon cultural memories inherited from the past. By combining  Gatjip(traditional Korean hat case) with skulls and diverse cultural symbols, the artist reveals a point where different temporalities and systems of value collide and coexist within a single pictorial space. Traditional motifs—such as the Irworobongdo(Sun, Moon, and Five Peaks) and the Moran-do(Peony Painting)—are brought into dialogue  with modern imagery shaped by technological society. Through this juxtaposition, the artist reveals that tradition and modernity are not separate realities, but interconnected moments within a continuous flow of time.
In this body of work, time is understood not as a linear progression, but as a layered condition in which past and present coexist simultaneously. The artist’s concept of Layered Moments reflects the condensation of diverse experiences within a single image, revitalizing tradition while inviting viewers to reflect on their own memories, desires, and evolving sense of identity in the contemporary world.

중첩된 시간의 표면 위에서 구성되는 정체성

작가의 작업은 과거로부터 이어져 온 정신적 지층 위에 현대의 일상을 중첩시키며, “나는 누구인가”라는 근원적 질문을 조형적으로 탐구하는 과정으로 전개된다. 전통적인 갓집 위에 해골이나 다양한 문화적 도상을 결합하는 방식은 서로 다른 시간과 가치 체계가 하나의 화면 안에서 충돌하고 공존하는 지점을 드러낸다. ‘일월오봉도’나 ‘모란도’와 같은 전통 도상은 인간 내면을 지탱해 온 집단적 기억과 소망의 상징으로 기능하며, 현대의 결혼식이나 기술 문명 속 일상의 장면들과 함께 배치될 때 전통과 현대가 단절된 것이 아니라 하나의 연속된 시간 속에서 공존하고 있음을 시각적으로 환기시킨다.

이러한 작업에서 시간은 선형적으로 흐르는 개념이 아니라, 과거와 현재, 미래가 동시에 존재하는 층위(Layer)로 이해된다. ‘중첩된 찰나(Layered Moments)’는 서로 다른 시간과 경험이 하나의 화면 안에서 응축되는 상태를 의미하며, 이를 통해 작가는 박제된 전통에 새로운 생명력을 부여하고 급격한 기술 문명 속에서도 인간 본연의 소망과 정체성을 다시 사유하도록 유도한다. 결국, 그의 작업은 ‘영원’과 ‘오늘’이 만나는 접점에서 생성되는 시간의 기록이자, 관람객이 각자의 삶 속에 축적된 시간의 층위를 발견하고 스스로의 정체성과 마주하도록 이끄는 조형적 제안이라 할 수 있다.

education

Seoul, Germany, New york, Singapore, Paris, Monaco

Solo Exhibitions 35Times

Singapore Art Fair, Beijing Art Fair.  Miami Art Fair,  KIAF,  MANIF,  Impression of Light (Parisite dessar), etc. *Juror,  National Art Exhibition of Korea

Art fair & Group Exhibition 

The 4th Seoul Modern Art Show; Grand Prize

The 2nd Korean Peace Art Exhibition Invitational Artist Exhibition; Grand Prize,  2021 Korean

Awards

Inhun Song

Traces of Time: A Landscape of Memory

Song Inheon’s Landscape with Memories begins with personal travel experiences yet expands into a broader reflection on time, memory, and the shared emotional sensibilities of human life. Here, memory is not treated as a simple recollection, but as the lingering resonance of sensations accumulated through the passage of time. The houses, sea, and fields that appear in the composition do not represent specific locations; rather, they function as psychological landscapes that evoke universal feelings of peace, nostalgia, and the traces of lived experience.
A defining feature of this work is its bold compositional structure inspired by Jogakbo, the traditional Korean patchwork textile. The segmented color fields translate a traditional visual language into the vocabulary of contemporary painting, while also visualizing how fragments of time and memory overlap within a single pictorial space. Through this interplay between figurative imagery and abstract color, the artist constructs a layered space where reality and memory, the external world and the inner world, coexist in quiet balance.
Ultimately, the work moves beyond the depiction of landscape to create an inner terrain shaped by sensation and reflection. It invites viewers to encounter not only the memory of a place, but the continuity of time and emotion within their own lives.

시간의 흔적 위에 그려진 풍경

송인헌 작가의 〈Landscape with Memories(추억이 있는 풍경)〉은 개인적 여행 경험에서 출발하지만, 궁극적으로는 시간과 기억, 그리고 인간 보편의 정서에 대한 사유를 담아내는 회화적 탐구라 할 수 있다. 여기서 ‘추억’은 단순한 회상이 아니라, 유유히 흘러가는 시간 속에서 축적된 감각의 흔적이자 정서의 잔향으로 이해된다. 화면에 등장하는 집과 바다, 들판의 풍경은 특정 장소의 재현이라기보다, 기억 속에서 재구성된 심리적 풍경이며, 인간이라면 누구나 공유할 수 있는 평화와 향수, 삶의 흔적이라는 보편적 가치를 환기시키는 장치로 기능한다.

특히 이 작업에서 주목할 점은 조각보에서 영감을 받은 대담한 색면 분할 구조이다. 화면을 가로지르는 색면은 전통적 조형 언어를 현대적 회화의 문법으로 전환하는 시도이자, 서로 다른 시간과 기억의 단편들이 하나의 화면 안에서 중첩되고 연결되는 과정을 시각화한 장치로 읽힌다. 이러한 구성은 구상적 풍경과 추상적 색면이 긴장과 균형 속에서 공존하도록 하며, 현실과 기억, 외부 세계와 내면세계가 동시에 펼쳐지는 이중적 공간을 형성한다.

작가는 여행지에서 마주한 냄새와 색, 온도와 같은 비가시적 감각을 회화적 언어로 번역하고자 하며, 평화로운 순간에 스며드는 행복감을 색과 이미지의 관계 속에 응축시킨다. 음악을 들으며 상상의 세계로 몰입하는 창작의 시간은 단순한 제작 과정이 아니라, 자신의 내면과 마주하는 사유의 순간이자 존재의 감각이 가장 밀도 있게 응축되는 시간이다. 결국, 이 작업은 풍경을 묘사하는 데 머무르지 않고, 기억과 감각, 시간의 흐름이 교차하는 내면의 풍경을 구축하려는 시도로 이해할 수 있다.

Fomative Fine Art, Dan-Kook University (D.E.F)

Korea, Russia, New Zealand, Mongolia, France, Spain

Solo Exhibitions 21th and Boots Exhibition 8th

2022~2024 LA Art Show(US LA, CONVENTION CENTER)

2022~2023 Hwarang Art Festival (Seoul, Koeax) 

Art Fair and Impotant Paintings

As2019 Société Nationale des Beaux-Arts Salon SNBA 2019 au Carrousel du        Louvre (Salon SNBA 2019)   

France Cannes Salon des Artistes Independants (Cannes, France)

France Paris Salon des Artistes Independants (France, Grand Palais)

Salon

LE SALON des Artistes Francais (Paris, GRAND PALAIS)

THE 15TH EXHIBITION FOR WINNER OF MISULSEGYE AWARD            (Seoul, Gallery MISULSEGYE)

LE SALON DES ARTISTES FRANCAIS (Paris, GRAND PALAIS)

SOCIE'TE' SALOND'AUTOMNE (Paris, GRAND PALAIS) 

Prize

Hyangnam Lee

Shoes: A Journey of Being into the Unknown

For the artist, the shoe is more than a simple object for survival and adaptation. It symbolizes the path of life and the direction of existence. In his work, shoes represent an inner desire to move toward new worlds and to seek freedom beyond physical movement. 

The artist has long been driven by a desire to experience diverse cultures and natural environments firsthand. Walking through unfamiliar regions is a reflective journey that deepens understanding of the relationship between humans and nature and between civilization and the uncivilized. Such journeys stimulate critical awareness of contradictions and tensions within reality, while also creating moments of introspection and spiritual healing.

Within the artworks, shoes appear in a variety of transformed forms, each carrying traces of memory, emotion, and hope for the future. Through this imagery, the artist invites viewers to think about their own journeys in life and the meaning of moving forward.

미지의 세계를 향한 정신적 여정에 관한 조형적 탐구

작가에게 있어 ‘신발’은 단순한 사물의 재현이 아니라 삶의 궤적과 존재의 방향성을 상징하는 핵심적인 조형 언어이다. 그의 작업에서 신발은 물리적 이동의 도구를 넘어 새로운 세계를 향해 나아가고자 하는 내적 욕망과 정신적 자유를 드러내는 상징적 표상으로 기능한다. 특히 이동과 생존, 환경에 대한 적응의 역사적 의미를 지닌 신발의 기원은 작가 개인의 삶과 예술적 여정 속에서 하나의 원형적 상징으로 재구성되며, 세계를 향한 지속적인 탐구의 출발점이 된다.

작가는 다양한 문화와 자연을 직접 체험하고자 하는 욕망을 삶의 중요한 동력으로 삼아왔다. 낯선 지역과 문명화되지 않은 오지를 찾아 걷는 행위는 단순한 여행을 넘어 인간과 자연, 그리고 문명과 비문명 사이의 관계를 성찰하는 존재론적 경험으로 확장된다. 이러한 과정은 현실 속 모순과 부조리에 대한 사유를 촉발하며, 동시에 자기 성찰과 정신적 치유의 시간을 형성한다.

작품 속에서 신발은 해체되고 변형되며 다양한 방식으로 재현된다. 이는 형식적 실험을 넘어 삶 속 경험과 감정, 기억의 층위를 시각적으로 드러내는 과정이며, 자연의 이미지들과 결합하여 새로운 세계와 미래를 향한 의지를 상징한다. 결국, 신발은 단순한 대상이 아니라 끊임없이 움직이고 변화하는 존재의 상태를 드러내는 조형적 기호로서, 작가의 작업은 삶과 예술이 만나는 지점에서 생성되는 ‘존재의 여정’을 시각적으로 사유하는 하나의 철학적 탐구로 이해될 수 있다.

이상민

파란색의 초현실적이고 환상 같은 작품을 감상할 수 있는 이상민 초대개인전을 갤러리 아인에서 11월 12일까지 열린다.

대학 시절, 작가는 작품 표현에서의 주관성과 객관성 사이에서 혼돈이 오던 시기에 다다이즘과 초현실주의를 접하게 되면서 앞이 보이지 않던 엄청난 표현의 불안감에서 조금은 벗어날 수 있게 되었다.
현대인들은 정해진 일상에서 대부분 생활하고 있다. 자기의 생각, 꿈, 이상 등은 잊어 간 채 지나온 일을 경험 삼아 나은 내일을 기대하며 살아가고 있는지도 모른다. 초현실주의가 탄생한 암울한 그 시기의 불안과 공포 등이 현대에서도 형식만 다를 뿐이지 이어지고 있다고 생각하다. 경제적으로는 매우 풍요로워졌다고는 하지만 불안한 현실은 개개인의 꿈과 상상을 현실에서 가두게 하고 파괴해버린다. 그런 현대인의 꿈과 상상, 공상, 환상의 세계를 이성에 지배를 받지 않는 초현실주의 형식을 빌려 물체의 왜곡, 변형, 위치 이동 등을 통해서 나를 포함한 현대를 살아가는 사람들의 마음, 생각을 표현하고자 하였다.                                                            -작가노트

색깔은 이상민 작가 작품에서 필수적이며, 우리가 알고 있는 현실에서 비현실의 세계로 빠져들어 가게 하는 작품 표현의 방식이자 상징일 것이다. 그의 작품에서 나타난 초현실적 표현을 통해, 일상생활의 강박에서 벗어나 우리의 깊은 생각의 열망을 생각나게끔 하며, 내면의 풍요로운 환상의 세계가 있음을 작품을 통해 알아 갈 수 있을 것이다. 그리고, 자신의 풍부한 내면 세계를 발견하는 시간이 될 것이다. 

이상민 초대전 "나를 마주하고, 바라보기"

권혁이

“STILL LIFE”
날짜: 2024.11.13.~21
갤러리 아인

프랑스 파리에서 활발히 작품 활동을 하는 권혁이 작가는 갤러리 아인을 통해 자연의 개념적 형상들을 재구성하여 평면, 설치, 영상에 이르기까지 다양한 작품을 선보이고 있다. 

정물을 뜻하는 “still life”를 직역하면 움직임이 없고 정지된 생명을 의미합니다. 고대 그리스 시대로부터 움직임은 변화와 생명력을, 반면 정적인 것은 생명 없는 상태를 나타내는 것으로 여져겼습니다. 때문에 이 표현은 비생명적인 것과 자연이라는 개념을 담고 있습니다. 하지만 아직 움직이지 않거나 무생물일지라도, “still life”라는 단어들의 조합은 살아 숨 쉬는 존재의 가능성과 생명력을 내포하고 있습니다. 

“STILL LIFE”

2024 2인전시

"비밀의 정원"
2인 기획 초대전-김다인. 김다은작가
전시기간 : 2024. 04.16~29
갤러리 아인

"비밀의 정원"

김하서

Life is a jellyfish

삶은 유한하여 아름답다. 우리의 삶은 젤리피쉬를 닮았다. 

때로는 투명하고 때로는 모호하며 
때로는 알 수 없는 일들이 아름답게 펼쳐진다. 
여러가지 예기치 못한 일들과 복잡한 관계들과 
설명할 수 없는 감정이 서로 충돌하고 겹쳐져 있다. 
나는 그 얽혀 있는 관계들과 감정들이 깊은 바다를 
헤엄치는 젤리피쉬의 유연한 모습들과 닮았다고 생각했다. 
거대한 파도가 당신을 덮쳐 와도 벗어나려고 
애쓰거나 버둥거리지 않기를. 
그저 파도의 출렁임에 몸을 맡기고 
투명하고 자유롭게 흘러가듯 살아가기를. 
그래서 당신의 삶이 조화 속에 평화롭기를. 

삶의 모든 순간순간들은 지나고 보면 모두 아름답고 찬란하기만 하다.
-작가노트 

"Life is a jellyfish" 김하서 초대전

Art X SEOUL 2025
The Shilla Hotel Seoul 11F, 12F

Gallery Eyn Room N.1206
2025.02.28~03.01


Art X SEOUL 2025

최미숙전시

선물 같은 하루 (작가 노트 중에서)

나는 삶을 여행이라고 생각한다.
삶의 여행길에서 겪은 모든 기억은 곧 나 자신이다.
기억은 내면에 새겨진 고유한 나만의 무늬가 된다.


내면의 기억과 무의식은 왜곡되기도 하고 편파적으로 변형되기도 한다. 나는 기억을 주관적 해석으로 재구성해 새로운 풍경을 만들어 낸다. 재구성된 ’이미지 기억’의 파편들이 만든 새로운 풍경은 기억의 응축이며 시공간의 경계가 없이 전개된 다시점과 동시성의 화면이다. 무의식 속에 존재했던 공간과 사물은 그 순간과 함께 기억된 나의 미묘한 감정과 현재의 내면 의식과 교차하며 몽환적으로 재구성된다. 

달콤한 꿈을 꾸듯 행복한 기억을 담은 작품은 나만의 유토피아적 상상의 세계이다.

"A DAY OF BLESSING"

예술 : 천태만상 단체전

이번 기획은 우리의 삶이 다양하듯 예술의 형태도 다양할 수 있다는 것에서부터 시작합니다. 예술가들은 서로 다른 삶의 방식과 다양한 경험을 통해 자신만의 이야기들을 작품에 담고 있습니다. 이렇게 표현된 작품의 형태와 의미들을 [예술: 천태만상] 기획전을 통해 새롭게 발견하고자 합니다. 이번 전시를 통해 현대 예술을 바라보는 새로운 시각을 제시하고자 합니다.

전시 제목 : 예술: 천태만상

Listening to the Unheard: Toward a Shared Community of Voices

Lee, Bongwook, 
Ph.D. in Art,  
Director & Curator, EYN Korea

This exhibition focuses on stories that have remained at the margins—those of small and vulnerable beings whose voices have not always been recognized within the language of institutions and systems of power. By bringing visibility to voices that were often unheard or dismissed as powerless, the exhibition invites us to reconsider what has been spoken and what has remained silent.
To shed light on what has long been unseen, and to give form to emotions and memories that have lingered in silence, is more than an act of representation. It is a critical practice of restoring presence and dignity. Rather than consuming pain and memory, the exhibition seeks to recover a sense of life and belonging, demonstrating how art can serve as a meaningful ethical response to the world.
When you and I meet and become ‘we’, individual stories move beyond isolation and gain new meaning through relationships. Difference is not a cause for division, but an opportunity to reflect and expand one another. In this encounter, the possibility of living together opens toward a renewed social imagination.
Just as small stories gather to form a world, the works presented in this exhibition create another landscape—one shaped by empathy and solidarity. Here, community is not a fixed form, but an ongoing process of connection and renewal, and art becomes a living language that participates in that process. The exhibition records moments where personal stories connect with the lives of others, proposing dialogue over silence and solidarity over isolation. This is both an aesthetic and a social choice—an expression of how art engages with the world.
This artistic testimony, which suggests that you and I can become a shared community, is completed when viewers move beyond passive observation and listen with attention and care. In doing so, art becomes more than a means of expression; it becomes a language through which we learn how to live together.
Through the gathering of many small stories, this exhibition offers a contemporary reflection on the possibility of moving beyond the boundaries between “I” and “you,” and discovering the relational meaning of “we.”

이 전시는 중심이 아닌 주변부, 제도와 권력의 언어로 포착되지 않았던 작고 연약한 존재들의 이야기에 주목한다. 쉽게 들리지 않았고, 종종 무력하다고 간주되어 왔던 목소리들을 예술이라는 매개를 통해 가시화함으로써, 우리는 무엇이 말해질 수 있고 무엇이 침묵되어 왔는가를 다시 질문하고자 한다.
보이지 않던 것들에 빛을 비추고, 침묵 속에 머물러 있던 감정과 기억을 형상과 언어로 호출하는 행위는 단순한 재현을 넘어 존재를 재위치 시키는 비판적 실천이다. 이는 상처와 기억을 소비하는 것이 아니라, 존엄과 삶의 감각을 회복하는 과정이며, 예술이 수행할 수 있는 윤리적 개입의 한 방식이기도 하다.
너와 내가 만나 ‘우리’가 되는 순간, 개별적 서사는 고립된 개인의 이야기를 넘어 관계적 의미를 획득한다. 각자의 다름은 충돌이나 분리의 이유가 아니라, 서로를 비추고 확장시키는 거울로 작동하며, 그 안에서 함께할 수 있는 가능성은 새로운 사회적 상상력으로 열려간다.
작은 이야기들이 축적되어 하나의 세계를 형성하듯, 이 전시에 참여한 예술가들의 작업은 공감과 연대의 감각을 통해 공동체라는 또 다른 풍경을 구축한다. 여기서 공동체는 이미 완성된 형태가 아니라, 끊임없이 생성되고 재구성되는 과정이며, 예술은 그 과정에 개입하는 실천적 언어로 기능한다. 전시를 통해 개인의 서사가 타인의 삶과 접속하는 지점을 기록하며, 고립이 아닌 연대, 침묵이 아닌 대화를 선택하는 태도를 제안한다. 이는 미학적 선택이자 동시에 사회적 선택이며, 예술이 세계와 관계 맺는 방식에 대한 하나의 응답이다.
너와 내가 함께 하나의 공동체를 이룰 수 있음을 보여주는 이 예술적 증언은, 관객 또한 단순한 감상자를 넘어 이야기에 귀 기울이는 주체로 참여할 때 비로소 완성된다. 그 과정에서 예술은 표현의 수단을 넘어, 함께 살아가는 방식을 사유하고 학습하는 또 하나의 언어로 자리하게 된다. 작은 이야기들이 모여 하나의 세계를 만들어가는 이 예술적 실천은, ‘나’와 ‘너’를 가르는 경계를 넘어 ‘우리’라는 관계적 존재 가능성을 탐색하는 동시대적 제안이 될 것이다.

You+Me=we "Together

Gallery EYN is located in a Kangnam and committed to introduce contemporary art. We first established gallery Art&Space312 in 2014 to introduce Korean and foreign artists through exhibitions and art fair. In 2022, we restarted as Gallery EYN to respond to contemporary art and the rapidly changing art market. We aim to discover young artists and to create their discourse for their work activities through various domestic and foreign exhibitions and art fairs. In addition, we want to serve as a hub in the art ecosystem. Gallery EYN strives to communicate with the public through art to make an environment where anyone can enjoy art in their lives. And EYN wants to introduces world-class contemporary artists to Korea, and at the same time promotes Korean art (artists) to advance into overseas stages. So we are working to build a foundation and want to publicize the continued growth and potential of Korean art in the domestic and foreign art markets.